Viewing-Room Archives - Page 3 sur 4

#2

KSB, 2022

Huile sur toile

24 x 18 cm

Vendu

FB_Der Schneck und die Be … Oil on Canvas – 2022

#3

Der Schneck und die Beeren, 2022

Huile sur toile

24 x 18 cm

Vendu

FB_Feigling – 24x18cm – oil on canvas – 2022

#4

Feigling, 2022

Huile sur toile

24 x 18 cm

Vendu

FB_Backyard Voodoo ( to AG)- 24x18cm – oil on canvas – 2022

#5

Backyard Voodoo (to AG), 2022

Huile sur toile

24 x 18 cm

Vendu

FB_Heiße Luft – 24x18cm – Oil on Canvas – 2022

#6

Heiße Luft, 2022

Huile sur toile

24 x 18 cm

Vendu

FB_Red Rider – 40x30cm – Oil on canvas – 2022

#7

Red rider, 2022

Huile sur toile

40 x 30 cm

Prix: 2 600 euros

FB_BSR – 18x24cm – oil on canavas – 2022

#8

BSR, 2022

Huile sur toile

18 x 24 cm

Prix: 1 500 euros

FB_Good Afternoon, Great Afternoon – 40x30cm – oil on canvas – 2022

#9

Good afternoon, great afternoon, 2022

Huile sur toile

40 x 30 cm

Prix: 2 600 euros

FB_Pink – 24x18cm – oil on canvas – 2022

#10

Pink, 2022

Huile sur toile

24 x 18 cm

Prix: 1 500 euros

FB_Match – 18x13cm – Oil on canvas – 2021

#11

Match, 2021

Huile sur toile

18 x 13 cm

Vendu

FB_Junction Point – 40x30cm – 檒 auf Leinwand – 2021

#12

Junction point, 2021

Huile sur toile

40 x 30 cm

Vendu

FB_Swinging – 24x18cm – Öl auf Leinwand – 2022

#13

Swinging, 2022

Huile sur toile

24 x 18 cm

Prix: 1 500 euros

FB_McTell – 40x30cm – Oil on Canvas – 2022

#14

McTell, 2022

Huile sur toile

40 x 30 cm

Prix: 2 600 euros

fritz_bornstuck_betonknaker_07_blood_sugar_sex_magic_galerie_maia_muller_424

#15

Betonknacker 07 (Blood Sugar Sex Magic), 2018

Huile, pigments, bouchons et collage sur toile

24 x 18 cm

Prix: 1 500 euros

fritz_bornstuck_betonknacker_04_i_like_big_buds_galerie_maia_muller_1269

#16

Betonknacker 04 (I like big buds), 2018

Huile, pigments, bouchons et collage sur toile

20 x 20 cm

Prix: 1 500 euros

fritz_bornstuck_betonknaker_08_mellow_yellow_galerie_maia_muller_425

#17

Betonknacker 08 ( Mellow Yellow), 2018

Huile, pigments, bouchons et collage sur toile

24 x 18 cm

Prix: 1 500 euros

FB_ABC Loescher – 56x23x20cm – Glasierte Keramik – 2021

#18

ABC Loescher, 2021

Céramique émaillée

56 x 23 x 20 cm

Prix: 2 900 euros

#19

Olga, 2022

Céramique émaillée

27 x 17 x 20 cm

Vendu

#20

Beercan, 2022

Céramique émaillée

12 x 7 x 8 cm

Prix: 900 euros

#21

Queen Mom, 2019

Céramique émaillée

10 x 10 x 9 cm

Vendu

fritz_bornstuck_happy_birthday_beuys_galerie_maia_muller_95

#22

Happy Birthday Beuys, 2021

Céramique émaillée

12,6 x 7 x 8 cm

Vendu

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

Viewing room – Fritz BornstuckGwen2022-06-16T12:17:48+02:00

Viewing room – Gretel Weyer

CANTIQUE DES CORBEAUX
23.04.22 - 28.05.22

GRETEL WEYER

#1

Cantique des corbeaux, 2022

Céramique émaillée, bois, silicone, laiton

190 x 56 x 36 cm

Prix: 9 500 euros

#2

La grande vitrine, 2022

Céramique émaillée et bois

207 x 200 x 57 cm

Prix: 15 000 euros

#4

Ours, 2021

Céramique émaillée

45 x 40 x 18 cm

Vendu

#5

Sanglier, 2021

Céramique émaillée

54 x 38 x 22 cm

Prix: 3000

#6

Seaux d’ânes, 2022

Céramique émaillée

40 x 28 cm (chaque)

Prix: 1 600 euros (chaque)

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

#7

Pot aux papillons, 2019

Céramique émaillée

47 x 37 cm

Prix: 3 000 euros

gretel_weyer_ciste_galerie_maia_muller_61

#8

Ciste, 2020

Céramique émaillée

20 x 35 cm

Prix: 2 500 euros

#9

Le vase aux papillons, 2022

Céramique émaillée

25 x 41 cm

Réservé

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

#10

Pattes d’ours, 2022

Céramique émaillée

20 x 13 x 9 cm

Vendu

#11

Pattes de sanglier, 2020

Céramique émaillée

20 x 9 x 3 cm

Vendu

#12

La petite chaise, 2022

Céramique émaillée et bois

60 x 31 x 38 cm

Prix: 2 500 euros

#13

Sans titre, 2017

Céramique émaillée

20 x 14 x 32 cm

Prix: 1 800 euros

Tout le gros bétail est mis à contribution par ces admirables tailleurs imagiers qui suivaient les humbles confréries des « Logeurs du bon Dieu » et, sous les ordres du maître d’œuvre, sculptaient ces prodigieuses cathédrales dont les tours montaient, au chant des psaumes. 1
Joris-Karl Huysmans

Au sol, un ancien corps d’horloge de bois brun tire vers le ciel où l’œil est arrêté : dans le cadran vide, minutes arrachées, sommeille un firmament de bleus, de gris et de verts bronze d’une eau qui eut plu à Gaston Bachelard. L’eau mue en un espace d’intimité, un type de destin autre que celui des images fuyantes ou d’un rêve qui ne s’achève pas, un destin essentiel qui métamorphose sans cesse la substance de l’être.2 L’ascension se fige. L’horloge se coiffe d’un chapiteau corinthien de corbeaux d’un noir de jais à l’outre-noir, adieu l’élévation du chant vers les angélus et l’Annonciation, bonjour l’inquiétude et la nuit qui remue. Une désorientation, un trouble opère. La verticalité d’abord – horloge métaphore de colonne et élévation des psaumes (tous deux puisent leur origine dans le chant religieux, le Cantique étant considéré comme le chant des chants, consacré au roi Salomon) – , l’ ovalité ensuite – cadran qui évoque immanquablement l’ovale d’influence byzantine et qu’en Italie on appelle la mandorla, amande, dont nous héritons sous le nom de Mandorle, foyer du Christ dans tout Jugement Dernier – , et horizontalité enfin de l’eau qui semble dire d’une part « toutes les choses coulent », credo d’Héraclite l’obscur, mais aussi la peine de l’eau est infinie. Mélancolie songeuse, lente et calme.

Gretel Weyer l’a nommé Cantique des corbeaux.

À la manière de telle « musique faiblissante du soleil devenue requiem au prisme de la mer 3» il va de l’inquiétante étrangeté de Freud, de Sade, de la béatitude mêlée à la crainte : source de plaisir à laquelle s’ajoute la dualité équivoque du corbeau. Est-ce la faute aux Fables de la Fontaine si l’on retient le maléfique oiseau et que l’on oublie le messager des Dieux, assis sur les épaules d’Odin et chargé de voler chaque jour autour du monde et de rapporter ce qu’il a vu et entendu ? Le voilà infailliblement juché au-dessus d’une quasi-potence : c’est Manet illlustrant Edgar Allan Poe, oiseau de mauvais augure ! Hitchcock les faisant crisser à la figure de la Beauté, oiseau de malheur ! la mort à l’endroit de Van Gogh et de son Champ de blé aux Corbeaux. Oiseau funeste ! Sur la nature défleurie, Faites s’abattre des grands cieux les chers corbeaux délicieux, 4 dans l’oubli des devins qui se plaisaient à dire l’avenir à partir des inflexions de sa voix. Question de couleur symbolique également que les temps modernes ont pris en héritage : de Fantômas à Dracula, le vampire est vêtu de noir.

Gretel Weyer nous avait habitués au merveilleux et au fantastique, à la tradition héritée des faunes et des monstres, à la difformité, aux hermaphrodites condamnés, au Centaure, à l’iconographie du Moyen-Âge, à faire les cent pas entre les métempsycoses égyptiennes – déplacements d’âmes entre l’homme et l’animal -, les métamorphoses hellénistiques – Ovide – et, dans le déluge des crapauds, nous rabattions nos oreilles lorsque l’on percevait déjà ce son : le bruissement des animaux qui rampent, fourmillent et s’entassent, comme pour un bûcher, presque crépitent. Un ciel noir qui rougit, une figure sombre à son promontoire d’Ange Déchu : Le Creux de l’Enfer, céramique émaillée réalisée en 2019 l’annonçait.

Qui dit Cantique des corbeaux, dit Animaux musiciens.

Aux balustrades et aux voussures des cathédrales, les formes visibles sont un symbole dira-t-on, mais la chèvre prend le tambour (Les Obsèques de Renard), le porc est cithariste et la chèvre est harpiste (Crypte de Canterbury), l’âne vieille (Les animaux de la ville de Brême) et à Strasbourg, plus près de Gretel, Brichemer célébre la messe. Plaçant donc ce cantique dans la belle iconographie médiévale des animaux musiciens, le voici compagnon de Truie jouant du tuba au musée de l’Echevinage de Poitiers, du bouc cithariste du musée de Limoges, de la chèvre flûtiste à califourchon sur un monstre à même la crypte de la cathédrale de Canterbury, et de l’âne jouant du psaltérion dans la crypte de Saint-Parize-le-Châtel. 5 L’analogie s’arrête là : ces bas-reliefs sont au Moyen-Âge -mise en garde contre l’orgueil – ce que Louis de Funès fut à la télévision, nous croulons dans le burlesque, le Moyen-Âge aime bien rire. Aussi. Chez Gretel Weyer, le rire file un coloris jaune, La fête est finie (Céramique, 2012, Collection du musée d’art moderne de Strasbourg). Musique encore. Ce bruit, ce chant, ce son lié à l’image, est-ce une parole ? (Nous sommes là à deux doigts de renouer avec une chose perdue pour nous : la parole qui puise autant dans l’image que dans le son de l’écriture, du hiéroglyphe égyptien et de l’idéogramme chinois). Car enfin, cette parole, c’est aussi la métaphore d’Orphée charmant les animaux et Adam nommant les animaux. Le premier descend jusqu’au monde infernal pour ne pas perdre sa femme Eurydice, piquée par un serpent, Adam pêche et abandonne le monde édénique, perdu par la conduite d’Ève.

Gronde ainsi la nostalgie cause de dette infinie : le paradis perdu. Taillé dans l’argile, est-ce donc cet enfant dont les jambes ballotent au-dessus d’un cabinet de curiosités, comme un guet, qui mêle à l’attente le ressort d’une résistance à la tentation et à la chute, et fait figure de prédateur ? Les lèvres fardées, il plane comme un verset d’Apocalypse de saint Jean quand, du trône sortent des éclairs, des voix et des tonnerres (…) Et au milieu du trône et autour du trône, quatre animaux pleins d’yeux par- devant et par derrière. Le cabinet exhibe ses lambeaux d’animaux, drapés languides aux yeux froids, poissons, ours, âne, renard, membres épars qui plissent gueules ouvertes. Sur une petite chaise ruissellent les étoffes d’oies décapitées. La nuit du chasseur fait peau neuve de ses cadavres. A la scène comme à la galerie, Gretel Weyer hybride ce théâtre de la cruauté.

Premier socle, premier acte : le diable prend la forme d’une coupe évasée, dont un entrelacs d’aspics verts à pupilles ovales tous ensemble, entremêlés comme autant de pédicules qui évoquent la planche de viscères anatomique, s’élèvent en branches jouant de contours de feuilles de Cistes, et dans la confusion de museaux protubérants, surgissant comme les caroncules, la coupe est pleine de serpents. Visions de méduses de Rubens ou du Caravage, la tête renversée. C’est qu’en Gretel coule pour moitié du sang italien.
Second socle, second acte : une amphore prottoatique, faisant un détour par la Grèce, éructe d’une nuées de papillons qui font un trait d’union avec deux trophées de sanglier et d’ours, pattes démembrées, qui mènent une vie séparée et participent à notre effroi grandissant.
En vitrine, acte final du vase en cristal de Bohême, aux bulles qu’enfant tu soufflais, (…) aube éphémère de reflets 6, un bois peint sert de fond au serpent ailé que séparent face à face deux jeunes filles dans une posture préraphaélite, et qui évoque un instant l’Edward Burne-Jones de la Tête maléfique, mais ici dans un profil quasiment hiéroglyphique. Les deux femmes crachent un chapelet de bulles de cristal, dont on ne saurait dire si elles aspirent par évaporation ou si la main portée sur le ventre, vomissent. Sortilèges et Incantations, 2019.

Au creux du ventre, on croise les doigts, paradoxe du corps. Et c’est le cœur battant que l’on se figure de ce que l’on a flâné innocemment, que l’on est soudain cerné, entre les sabots poilus pour souliers et les membres tranchés, l’envol de papillons, l’oiseau de proie. Au centre, vous et moi, plus exactement encerclés.
C’est à croire qu’au 19 rue Chapon, à mi-chemin entre l’amour et la mort, l’on a murmuré « Approche, c’est une étreinte», et que dans un rite secret, le fantôme d’ Echidna, mi-femme, mi-serpent s’est accouplé au géant Typhon, au corps sillonné de vipères embusquées dans des taillis de plumes, à la bouche crachant des dards et mâchant des flammes. Vous voilà en Grèce, vous voici à Rome, vous êtes autant chez les canopes égyptiens qu’auprès d’Isidore de Séville, vous étiez au cœur d’une revanche prise sur tous les infanticides impunis pour difformité de la Rome Antique, de tous les enfants et monstres jetés du Mont Taygète. RENAISSANCE. A la manière de Gretel Weyer.

Alexandra Lantz

1. Le Monstre, Certains, 1889. Écrits sur l’art, J-K Huysmans, Éditions Bartillat, 2019, p.402.
2. L’eau et les rêves, Essai sur l’imagination de la matière, Gaston Bachelard, Librairie José Corti, 1942
3. Le faune de marbre, un rameau vert, 1924, William Faulkner.
4. Les corbeaux, 1871, Arthur Rimbaud.
5. Le bestiaire sculpté en France, V.H Debidouron, on finit par détruire celles de Strasbourg en 1685.
6. Clair de terre, Pièce fausse, Hommage à Benjamin Péret, André Breton.
La nuit du chasseur, magnifique film noir de Charles Laughton avec Robert Mitchum, que Gretel cite volontiers parmi les œuvres qui l’ont marquée, ainsi que Lord of Flies de Goulding, adapté au cinéma par Peter Brook. Gretel Weyer a réalisé la mise en scène en 2019 de l’Écho des creux, de Renaud Herbin, créé au TJP Centre dramatique national Strasbourg Grand Est.

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

Viewing room – Gretel WeyerGwen2022-05-12T18:33:57+02:00

Viewing room – Célia Muller

VUE EXPOSITION CELIA MULLER- Copyright Rebecca Fanuele

DE NUAGES EN MARÉCAGES
17.03.22 - 16.04.22

CÉLIA MULLER

MULLER, Célia – De nuages en marécages #14, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

1 De nuages en marécages #14, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

37,7 x 29,7 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #16, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

2 De nuages en marécages #16, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

37,7 x 29,7 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #3, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,6 cm

3 De nuages en marécages #3, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #9, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

4 De nuages en marécages #9, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #10, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

5 De nuages en marécages #10, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #6, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

6 De nuages en marécages #6, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Prix: 900 Euros

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Vue exposition Célia Muller – Copyright Rebecca Fanuele – J’ai fait un rêve 1

7 J’ai fait un rêve #1, 2019

Texte gravé sur manche de pelle

153,5 x 27 x 27,5 cm

Prix: 5 000 Euros

MULLER, CÉLIA – De nuages en marécages #19 – Encre de tatouage et pastels secs sur papier – 70 x 50 cm

8 De nuages en marécages #19, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

70 x 50 cm

Vendu

MULLER, CÉLIA – De nuages en marécages #20 – Encre de tatouage et pastels secs – 70 x 50 cm

9 De nuages en marécages #20, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

70 x 50 cm

Vendu

Célia Muller, De nuages en marécages #18, 2022, Pastel sec et encre de tatouage sur papier, 70 x 65 cm

10 De nuages en marécages #18, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

70 x 50 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #11, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

11 De nuages en marécages #11, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #4, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

12 De nuages en marécages #4, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #2, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm

13 De nuages en marécages #2, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Prix: 900 Euros

MULLER, Célia – De nuages en marécages #15, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

14 De nuages en marécages #15, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

37,7 x 29,7 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #5, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

15 De nuages en marécages #5, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #1, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage -25 x 32,3 cm

16 De nuages en marécages #1, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #7, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

17 De nuages en marécages #7, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Vendu

Célia Muller, De nuages en marécages #8, 2022, Pastel sec et encre de tatouage sur papier, 25 x 32,3 cm

18 De nuages en marécages #8, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Prix: 900 Euros

Célia Muller, De nuages en marécages #17 , 2022, Pastel sec et encre de tatouage sur papier, 37,7 x 29,7 cm

19 De nuages en marécages #17, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

37,7 x 29,7 cm

Prix: 1 100 Euros

MULLER, Célia – De nuages en marécages #13, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

20 De nuages en marécages #13, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

37,7 x 29,7 cm

Vendu

MULLER, Célia – De nuages en marécages #12, 2022 – Pastels secs et encre de tatouage – 25 x 32,5 cm.jpg

21 De nuages en marécages #12, 2022

Pastels secs et encre de tatouage sur papier

32,3 x 25 cm

Vendu

Vue exposition Célia Muller. J’ai fait un rêve, copyright Rebecca Fanuele

22 J’ai fait un rêve #2, 2020

Pigments d’oxide de fer noir sur papier

400 x 544 cm

Vendu

« […] J’aime mieux parler de la pensée qu’on trouve par des chemins parallèles. » Joseph Beuys*

« Trouer le paysage et trouver l’espace. »** C’était l’aube, sa demeure n’était qu’une lueur dans la faiblesse du jour, un point blanc sur son papier. Sitôt ces mots écrits, sitôt elle prit le départ. Direction l’Est, l’amitié, les brumes et les montagnes, les vœux et les pierres de cristal. Voyage, voyage comme lorsqu’elle se perd dans son ouvrage : « Dessiner, c’est cathartique. Je disparais et j’y vais. » Où ? Elle improvisa une réponse : « A chaque fois, il y a une idée-fenêtre, un trou dans le mur. »

Elle était déjà loin, à peine sortie de l’École des Beaux-Arts, à peine quitté le centre-ville de Metz et déjà la route perdait la boussole de la réalité. Elle s’allongeait, serpentait, se prolongeait. Plus les kilomètres s’additionnaient plus l’espace intérieur s’étendait. Elle se demanda, comme ça : « Pourquoi les gens restent-ils dans leur maison si elle est hantée ? » Dans le ciel du matin finissant, un fantôme lui répondit, immaculé et flottant comme un nuage. Mais une réponse de fantôme, fallait-il s’y fier ?

Un fantôme, deux fantômes, les nuages l’accompagnaient… Ces fantômes, amis des fantasmes, pouvait-elle leur confier ses interrogations d’enfant, d’artiste, de femme, d’avenir ? Dans ces horizons, immanquablement, elle recroisait tout un peuple de souvenirs, où personne ne respectait son propre ordre d’apparition. « Le jeu de la mémoire me fascine », pensa-t-elle et aussitôt apparut dans son esprit une photographie. Elle la dessinerait à l’encre de tatouage et au pastel volatil, comme d’habitude. En noir et en contrastes, comme toujours. « Je voudrais trouver la profondeur de la surface, chercher la lumière dans le noir. » Elle s’adressait à elle-même des déclarations dans la solitude de la vitesse motorisée se souvenant d’une passion : « Marcher en forêt la nuit, laisser les iris s’adapter à l’obscurité. » Une question d’intensité ? Comme celle des minuscules points blancs surgissant très lumineux des noirs très pigmentés des dessins.

Elle savait d’avance que son dessin serait diffus, qu’il chercherait cet « espace entre-deux, entre l’imaginaire et le réel ». Pourquoi ? La réponse surgit de l’asphalte : « J’ai du mal à montrer précisément les visages, je ne cherche pas à identifier des personnes ou des lieux car cela met une distance. Alors que les effacements sont des surfaces de projection imaginaire. »

Au fur et à mesure de l’éloignement, la légèreté s’affirmait. Elle se mit à fredonner « Voyage, voyage ». Elle pensait à l’image de cette jeune femme, dansant sur une montagne. Elle avait aimé la dessiner. Comme toujours le dessin avait recadré la photo. « Je recadre toujours l’image d’origine, constata-t-elle. Elle impose les dimensions du cadrage. J’ai toujours un cadre dans le cadre. » Une manière de poétiser le réel comme elle aime le faire pour ces anciennes photos minuscules aux bords de dentelles, qui furent portées si longtemps près du cœur, dans une poche, un portefeuille mais près du corps.

Le jour se dissolvait dans les heures et les kilomètres. Il faudrait bientôt faire une halte. Près d’une montagne, elle vit une femme tenant dans ses mains une pierre de quartz blanche, comme le cœur battant d’un fantôme. Elle fut émue aux larmes et se sentit submergée par une émotion. Comme une immense vague d’oxyde de fer mat aux reflets vert et rouge.

Annabelle Gugnon

*Joseph Beuys, « Par la présente, je n’appartiens plus à l’art », éd. L’Arche, 2013.

** Toutes les citations sont des propos de Célia Muller recueillis par l’auteure du texte le 21 février 2022 à Metz.

Annabelle Gugnon est psychanalyste et critique d’art. Elle a été journaliste pour Beaux-Arts et collabore régulièrement à Art Press.

Avec le soutien aux galeries / exposition du Centre national des arts plastiques

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

Viewing room – Célia MullerGwen2022-04-13T14:41:13+02:00

Viewing room – Hassan Musa – ALLÉGORIE À LA BANANE

VUE D’EXPOSITION ALLÉGORIE À LA BANANE ART OF HEALING ET CHARMEUSE DE SERPENTS

ALLÉGORIE À LA BANANE 02.03.22 - 12.03.22

HASSAN MUSA

Je vois Joséphine Baker comme une chorégraphe américaine (traduisez : chorégraphe européenne), qui a réussi à construire tout un répertoire remarquable de chorégraphies primitivistes. Chorégraphies qu’elle présentait, sur les scènes européennes, comme danse « africaine ».
Mais Joséphine Baker n’était pas seulement une chorégraphe, c’était également une américaine noire qui a trouvé réfuge en Europe après avoir expérimenté la misère et la brutalité du racisme américain du début du XXème siècle. Cependant quand on examine la nature de l’accueil que les européens lui ont réservé, on constate le même rejet raciste, mais exprimé de manière autre, un racisme subtil et biaisé qui a fait d’elle la représentante d’une sexualité primitiviste débridée et diabolique à la fois, une sexualité noire capable d’assouvir tous les fantasmes érotiques du mâle blanc, chrétien et dompteur du monde sauvage. Bref, c’était la femme idéale pour Indiana Jones ou pour Michel Leiris, jeune poète surréaliste égaré parmi les ethnologues et promoteur de l’ethno-esthétisme.
Si Joséphine Baker est devenue un sexe-symbole chic de l’Afrique dans le Paris des années 20, ce n’est pas parce que elle était la seule « africaine » dans cette ville. Paris a, depuis toujours, connu les communautés noires d ’Afrique ou des îles Caraïbes. Mais Joséphine était la femme noire qui se trouvait là, au bon moment et au bon endroit, au carrefour des grandes contradictions socio-culturelles de la société française d’entre deux guerres : colonialisme, ethnologie, fascisme, surréalisme, primitivisme, art nègre, charleston et robes courtes. Elle était l’arbre américain qui cache la forêt africaine. Proche des hommes de l’envergure de Michel Leiris, Picasso, Van Dongen, Hemingway, elle était dans toutes les aventures de l’élite parisienne. A cet égard, sa participation et celle du boxeur noir americain Al Brown, à l’ effort financier de la mission ethnologique Dakar-Djibouti sembla naturelle aux yeux de ses contemporains en tant que « noire » qui aide « son » peuple d’un continent noir qu’ elle n’a pourtant jamais connu. Je ne vois pas Joséphine Baker comme initiatrice de l’ artafricanisme mais comme un support matériel sur lequel des idéologues de l’ethno-esthétisme ont inscrit leurs projets. De son côté, Joséphine Baker, heureuse de la manipulation de son image de femme noire par l’élite négrophile de Paris – The Josephine Baker Story, Ean Wood, 2000 – a évolué sur les ornières du chemin des primitifs européens. Chemin sur lequel des artistes modernes ont laissé de remarquables repères : Paul Gauguin, deux décennies plus tôt, avait installé son primitivisme breton dans une forêt vierge tahitienne réaménagée au goût des parisiens, quant à Picasso, son contemporain, il a combiné le primitivisme espagnol préféodal et l’ art négre sous le regard admiratif des parisiens (John Berger, The Success and Failure of Picasso, 1965). Et en 1916, les dadaïstes organisaient au Cabaret Voltaire des soirées africaines avec des masques primitifs de Marcel Janco (Ean Wood). Je pense que la cage dans laquelle dansait et chantait Joséphine, déguisée en oiseau ou en femelle sauvage, n’ était pas simplement un décor de scène de music hall. Cette cage représentait, dans l’esprit du public européen, une métaphore clé de la culture de domination qu’a engendrée la société capitaliste en Europe. En tant qu’ espace d’oppression et d’ordre où l’on peut classer et contenir les énergies et les êtres du monde « désordonné », la cage apparaissait comme la place appropriée pour les africains. Ce bricolage symbolique du racisme européen s’ appuyait sur toute une tradition d’exposition de « village indigène », qui, depuis la fin du XIXème siècle, représentait l’élément le plus constant des expositions universelles (John MacKenzie, chapitre Les expositions impériales en Grande-Bretagne, dans Zoos humains et exhibitions coloniales, La Découverte, 2002).

Échange de mails entre Hassan Musa et Kerstin Pinther pour le catalogue de l’exposition « Black Paris » (Bayreuth, Frankfurt et Brussels, 2006-2008). Pinther était une des curators qui ont conçu l’ exposition et le catalogue de l’ exposition « Black Paris, Black Brussels ».

15 décembre 2006

#1

Suzanne et les avocats des peuples africains, 2007

Encre sur textile

206 x 216 cm

Vendu

Allégorie à la banane(Triptyque), Acrylique sur carte de géographie, 120cmx200cm,2007

#2

Allégorie à la banane (Triptyque), 2007

Acrylique sur carte de géographie

120cm x 200 cm

#3

Black Banana, 2016
Textiles assemblés
210 x 150 cm

VUE D’EXPOSITION ALLÉGORIE À LA BANANE EVGENIA

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Suzanne et les vieillards II -Encre sur t extile et gravure sur bois – 274 x 278 cm – 2007 – Courtesy de l’artiste et Galerie Maïa Muller ©Rebecca Fanuele – copie

#4

Suzanne et les vieillards II, 2007
Encre sur textile et gravure sur bois
274 x 278 cm

The art of healing (Jose?phine) – Enc re sur textile – 292 x 117 cm – 2002 – Courtesy de l’artiste et Galerie Maïa Muller ©Rebecca Fanuele – copie

#5

The art of healing, 2002
Encre sur textile
292 x 117 cm

#6

Charmeuse de serpents, 2018
Textiles assemblés
169 x 330 cm

#7

Joséphine à la fraise, 2016
Collage et encre sur papier
41,6 x 29,6 cm

#8

No Banana Nativita, 2004
Encre et crayons de couleur sur papier
29,4 x 21 cm

Viewing room – Hassan Musa – ALLÉGORIE À LA BANANEGwen2022-03-05T14:10:20+01:00

Viewing room – Hassan Musa – LE PASSEUR TRANQUILLE

LE PASSEUR TRANQUILLE 22.01.22 - 26.02.22
ALLÉGORIE À LA BANANE 02.03.22 - 12.03.22

HASSAN MUSA

#1

Christophe de Lampedusa (d’après J. Bosch), 2020

Huile sur tissus imprimés sur bois

100 x 100 cm

Vendu

#2

Dante de Lampedusa III (d’après G.Doré), 2019

Huile sur tissus imprimés sur bois

100 x 90 cm

Réservé

#3

Dante de Lampedusa I (d’après Delacroix), 2019

Huile sur tissus imprimés sur bois

100 x 100 cm

Réservé

#4

Dante de Lampedusa II (d’après Delacroix) , 2019

Huile sur tissus imprimés sur bois

100 x 100 cm

Vue d’exposition – Galerie Maïa Muller

#5

Le passeur tranquille I (d’après Delacroix), 2019

Huile sur tissus imprimés sur bois

100 x 90 cm

#6

Le passeur tranquille II (d’après Delacroix), 2019

Huile sur tissus imprimés sur bois

100 x 90 cm

Réservé

#7

La laitière au gilet jaune(d’après Vermeer), 2019

Huile sur tissus imprimés sur bois

118 x 86 cm

Vue d’exposition – Galerie Maïa Muller

#8

Le rapt des Ameriques (d’après Titien), 2020

Huile sur tissus imprimés sur bois

100 x 100 cm

#9

Do you see what I see (d’après Caravage), 2019

Huile sur tissus imprimés sur bois

100 x 100 cm

Réservé

#10

Accident de chasse au Botswana II (d’après Caravage), 2020

Huile sur tissus imprimés sur bois

100 x 100 cm

#11

I love you with my AK47 (d’après Degas, La petite danseuse de 14 ans), 2020

Crayons de couleur sur tissus imprimés sur bois

100 x 100 cm

Hassan Musa

Les éclaireurs

Hassan Musa ne déteste pas l’ironie et sa connaissance encyclopédique en matière d’art occidental lui a permis de créer un terrain de jeu aux variations infinies.

Son regard sur les œuvres qu’il revisite est nourri par une distanciation du temps et de l’espace. Une distorsion symbolique qui permet de retourner la charge de la preuve, comme on le dirait en droit. Sont convoqués à la barre des témoins, Delacroix, Titien, Caravage, Vermeer, qui se trouvent soudain transportés dans une actualité et une contemporanéité dont ils n’avaient peut-être pas idée, quand bien même ils furent, chacun à leur manière des révolutionnaires. Et c’est peut-être cette idée de révolution, au sens rotation, que l’artiste introduit discrètement, la notion d’éternel retour chère à Nietzsche. Le titre même de cette série, Le passeur tranquille, contient une polysémie qui explore des pistes à la fois intérieures et extérieures. Pour ce qui est de notre temps, Musa insiste sur les flux humains que d’aucuns ont décidé problématiques. Il se débrouille, tout en inscrivant les problématiques très contemporaines dans son œuvre, à faire ces clins d’œil que donne le recul historique.

Les mythes d’alors sont-ils si différents des mythes d’aujourd’hui et, par-dessus tout, qui pourrait bien être ce mystérieux passeur et d’où tire-t-il sa tranquillité ? L’immigration, disons le mot, a besoin de passeurs. Ces ombres qui opèrent dans l’ombre et affrètent des tombeaux flottants. Il y a les passeurs officiels, les organismes internationaux, les États. Le passeur le plus célèbre qui me vienne à l’esprit n’avait pas une tâche facile. Mais n’est-ce pas, au fond, le sort de tout passeur ? Charon devait se boucher les oreilles pour ne pas être ému par les lamentations de ce qu’il allait, une fois le Styx traversé, déposer aux portes de l’enfer. Mais revenons à l’artiste qui, omniprésent dans son projet, nous parle d’autres formes de passages. Hassan Musa ne transporte pas d’humains mais des espaces et des temporalités. Magicien alchimiste, il nous nous fait voyager à travers des décors volontairement anachroniques et visionnaires dans lesquels se mélangent vestes jaunes et éclairs, Lampedusa et Batman, jeux de mots et jeux visuels qui transforment le monde contemporain en un trompe-l’œil révélateur de toutes nos hantises, de nos vices cachés et de nos peurs inavouées. Le passeur, en cette occurrence, pourrait aussi bien être perçu comme un éclaireur, au sens premier du terme : celui qui montre la voie.
Le passeur est également celui qui assure une certaine continuité et se préoccupe des générations à venir, de la mémoire des femmes et des hommes qui ont vécu ; le passeur est un lien. Et cela ne nous surprendra pas que Musa se soit passionné pour l’une des grandes passeuses du vingtième siècle, Joséphine Baker. Malgré les célébrations intempestives et un peu tardives qui, parmi les jeunes filles et les jeunes garçons du vingt-et-unième sait vraiment qui fut Joséphine ? Les mémoires contemporaines sont encombrées d’images d’Epinal : la danseuse à la ceinture de bananes, l’égérie du bal nègre, la reine du Music-Hall. Mais qui sait à quel point Joséphine fut une résistante ? Je ne veux pas mentionner ici son rôle pendant la deuxième guerre mondiale ou d’autres faits comme sa participation au combat de la déségrégation dans les terribles années 50 et 60 aux Etats-Unis. Je veux parler d’une résistance ontologique radicale qui lui a permis de déjouer toutes les idées reçues, tous les clichés et permit, quelles que pussent être les circonstances, d’être toujours elle-même, évoluant d’un monde à l’autre sans se préoccuper des frontières physiques et morales. Et à une époque où certains mauvais apôtres voudraient contraindre des citoyens à renoncer à une part d’eux-mêmes pour prouver leur adhésion à la culture qui les accueille, elle nous rappelle les deux amours qu’elle a clamés haut et fort : « mon pays et Paris ». Elle serait probablement poursuivie aujourd’hui pour apologie du communautarisme.
Il serait stupide (mais nous ne sommes jamais à l’abri de cette maladie hautement contagieuse) d’imaginer que Musa s’est servi d’une actualité passagère pour s’intéresser à la jeune fille de Saint-Louis. Voilà des années, et cela correspond parfaitement à sa quête artistique, que cet alchimiste s’intéresse à la vie de la dame. A la manière dont elle fut perçue, aux malentendus que sa vie a soulevés et à la manière dont elle se présentait au monde. Il est des passeurs, nous l’avons vu, qui exploitent tous les malheurs du monde pour mener à bien leur coupable industrie et d’autres, au contraire, qui ne savent rien faire d’autre que tendre la main à celui qui viendra. James Baldwin, autre grand passeur de notre temps, avait écrit, lorsque les autorités d’une Amérique raciste avait arrêté Angela Davis, cette histoire nous concerne tous : « parce que s’ils viennent pour toi ce soir, ils viendront pour moi demain ».
Musa nous dit que toutes les histoires du monde sont solidaires parce qu’elles sont le fait d’humains. Et rien d’humain ne devrait nous être étranger. C’est ce que nous rappellent les Passeurs Tranquilles du monde entier.

Simon Njami

Simon Njami est un écrivain, commissaire d’exposition, essayiste et critique d’art. Il est spécialiste de l’art contemporain et de la photographie en Afrique. On lui doit entre autres Africa Remix, The Divine Comedy, plusieurs éditions de DAK’ART La Biennale de Dakar, les Rencontres Photographiques de Bamako.

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

Viewing room – Hassan Musa – LE PASSEUR TRANQUILLEVladMM2022-02-23T16:23:08+01:00

Viewing Room – Jean Michel Fauquet

LETTRES D'UN CARTON À L'ÂGE D'AIRAIN
04.11.21 - 18.12.21

JEAN-MICHEL FAUQUET

#1

Sans titre, 2010

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé à la peinture et à la cire

39 x 49,5 cm

Prix : 10 000 Euros

Jean-Michel FAUQUET Le fort. 2010. Tirage argentique rehaussé à l’huile sur papier baryté. 40 x 50 cm – Photo Jean Louis Losi copie

#2 Sans Titre, 2008

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé à la peinture et à la cire

39 x 49,5 cm

Prix : 10 000 Euros

#3 Sans Titre, 2002

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé à la peinture et à la cire

48,5 x 48,5 cm

Prix : 11 000 Euros

#4 Sans titre, 2012

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

39 x 29,5 cm

Prix : 6 000 Euros

#5 Sans Titre, 2010

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

39 x 49,5 cm

Prix : 10 000 Euros

#6 Sans Titre, 2008

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

30,5 x 29 cm

Prix : 5 000 Euros

#7 Sans Titre, C. 1998

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé à la peinture et à la cire

32,5 x 29,5 cm

Prix : 5 000 Euros

#8 Sans Titre, C.2010

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

15,5 x 22 cm

Prix : 3 000 Euros

#9 Sans Titre, C.2010

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

15,5 x 22 cm

Réservé

#10 Sans Titre, 2010

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

73 x 58,5 cm

Prix : 15 000 Euros

#11 Sans Titre, 2010

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

78 x 53,5 cm

Prix : 15 000 Euros

#12 Sans Titre, C.2002

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

39 x 49,5 cm

Prix : 10 000 Euros

#13 Sans Titre, C.2010

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

22,5 x 29,5 cm

Prix : 4 500 Euros

#14 Sans Titre, C.2002

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé à la peinture et à la cire

48,5 x 48,5 cm

Prix : 11 000 Euros

#15 Sans Titre, C.2002

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

39 x 49,5 cm

Prix : 10 000 Euros

Vue d’exposition – Galerie Maïa Muller , Copyright Rebecca Fanuele

Chaque reposoir au prix de 3 500 Euros

#16 Sans Titre, 2010

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

39 x 29,5 cm

Réservé

Vue d’exposition – Galerie Maïa Muller , Copyright Rebecca Fanuele

15176 Jean-Michel FAUQUET Les Ménimes. 2008. Tirage argentique et huile sur papier baryté. 50 x 60 cm (Triptyque Part 2)

#17 Sans Titre, 2008

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

58,5 x 49 cm

15177 Jean-Michel FAUQUET Les Ménines. 2008. Tirage argentique et huile sur papier baryté. 50 x 60 cm (Triptyque Part 3)

#18 Sans Titre, 2008

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

58,5 x 49 cm

Prix du triptyque: 36 000 Euros

15175 Jean-Michel FAUQUET Les Ménines I. 2008. Tirage argentique et huile sur papier baryté. 50 x 60 cm (Triptyque Part 1) copie

#19 Sans Titre, 2008

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

58,5 x 49 cm

#20 Sans Titre, 2003

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

28,5 x 22,5 cm

Prix: 4 500 Euros

Vue d’exposition – Galerie Maïa Muller , Copyright Rebecca Fanuele

#21 Sans Titre, C.1998

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

17 x 46,5 cm

Vendu

#22 Sans Titre, C.1998

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

17 x 46,5 cm

Vendu

#23 Sans Titre, 1998-2002

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

17 x 46,5 cm chaque

Prix: 6 000 Euros pièce

#24 Sans Titre, C.1998

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

17 x 46,5 cm

Prix: 6 000 Euros

#25 Sans Titre, 2012

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

59 x 50 cm

Prix: 12 000 Euros

#26 Sans Titre

Carton, huile, cire

26 x 92 x 14,5 cm

Prix: 6 000 Euros

#27 Sans Titre

Carton, huile, cire

39 x 16 x 19 cm ( chaque )

Prix: 7 000 Euros

#28 Sans Titre, C.2002

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé

39 x 49,5 cm

Prix: 10 000 Euros

#29 Sans Titre, C.1998

Tirage argentique sur papier baryté rehaussé à la peinture et à la cire

48,5 x 48,5 cm

Prix: 11 000 Euros

#30 Sans Titre

Carton, huile, cire

33 x 66 x 23 cm

Prix: 6 500 Euros

Jean-Michel Fauquet

Gravir l’invisible

« La morale éparse du monde c’est l’effort qu’il fait peut-être
pour redevenir soleil. […] Partout un rayon frappe à une porte obscure. »*

Cézanne

Ils arrivent d’ailleurs, ils viennent de loin, ils apparaissent dans le secret de la pratique quotidienne, par esquisses, par ébauches, par intrusion, comme des rêves produits à l’insu de soi-même… Les dessins de Jean-Michel Fauquet deviennent ensuite des sculptures de carton puis apparaissent dans ses photos sous forme d’objets comme les jalons poétiques d’une nuit créatrice, d’une « autre scène » (eine « Andere Schauplatz ») tel que Freud a défini l’inconscient dans son livre « La Science des rêves ». Une scène active, productive, libre mais dont l’accès est inconnu, inattendu, onirique, insaisissable. Aussi Jean-Michel Fauquet est-il en éveil, jamais en embuscade. Il se laisse surprendre. Les formes sont énigmatiques, alors il les apprivoise en les sculptant puis en les mettant en scène dans une théâtralité fragile et évanescente. Une photographie en ouvre le destin. Mais pour « tuer l’image », comme il l’énonce, et « la rendre aux mystères de l’invisible », il travaille le tirage, le surmodèle à la cire, à l’huile, aux rehauts de peinture. Un monde autre se fait jour. Ce monde contient certaines accointances surréaliste et dadaïste mais il est singulièrement tout en gravité. « Les choses sont graves, alors il faut gravir », dit-il. Prendre de la hauteur peut-être mais surtout donner du poids à une forme. Et ce poids est hybride : il se présente en deux dimensions sur la photographie mais est, par essence, un espace en trois dimensions. Chez lui, la photographie détient la sculpture et semble aspirer à la libérer vers des formes propices au tactile, à l’expérience des corps, aux intensités matérialisées.

En ce ce sens, le travail de Jean-Michel Fauquet est ami de celui de l’Américain Richard Serra et de ses sculptures monumentales qui sont des volumétries de sentiment, des pesanteurs en équilibre. Jean-Michel Fauquet, quant à lui, sculpte les objets du hors-temps, leur densité imaginaire agit comme des centres d’énergie réelle. « Je fais des signes pour le théâtre de votre vie », dit-il en précisant que l’on trouve dans ses photos ce qu’on y apporte, même sans le savoir. Elles détiennent en effet un pouvoir de révélateur, d’apparition.

Plusieurs expériences ont donné au monde de Jean-Michel Fauquet ses jonctions avec l’invisible. Il y eut dans l’enfance béarnaise, les réfugiés espagnols fuyant à pied la dictature de Franco arrivant soudain du ciel, sur la crête montagneuse des Pyrénées. Surtout, il y eut ce collège-pension près de Bordeaux où la discipline tenait lieu d’idéal pédagogique. Il fallait braver risques et périls pour sortir, la nuit, du dortoir, se rendre au grenier avec quelques camarades adolescents et, là, voir apparaître l’inespéré : la liberté. Elle se matérialisait par la grâce d’un objet rudimentaire du début de la photographie, le dénommé « châssis-presse ». C’est un petit instrument dans lequel coincer un morceau de papier photo-sensibilisé au nitrate d’argent, l’éclairer et attendre l’apparition d’une forme inattendue. Venue de la lumière.

La liberté des yeux vécue dans cet environnement de contraintes a inscrit l’imagination du côté de la vraie vie et l’inconnu du côté du désirable. Ainsi se dessine le chemin vers l’art. Les destinations de Jean-Michel Fauquet sont vastes. Cependant, sa pratique requiert le coutumier car il utilise les appareillages encombrants des débuts de l’histoire de la photographie, la chambre, le soufflet… Mais le coutumier n’empêche certainement pas le cosmique. Jean-Michel Fauquet en arpente les géométries et en restitue certaines mesures vives et éthiques.

Car ses photographies sont une manière de lutte contre l’enlisement. Il offre à la lourdeur des possibilités d’inspiration, donc d’envol vers la créativité. « Le travail humain, c’est se reconstruire éternellement », avance-t-il. Ses œuvres en disent les affres et les élans.

Annabelle Gugnon

Annabelle Gugnon est psychanalyste et critique d’art. Elle a été journaliste pour Beaux-Arts et collabore régulièrement à Art Press.

*Joachim Gasquet, « Cézanne », éd. Encre Marine, 2002.

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

https://www.maiamuller.com/wp-content/uploads/2021/05/Itw-Myriam-final-v2.mp4

Viewing Room – Jean Michel FauquetVladMM2021-12-09T16:26:41+01:00

Viewing Room – Gaston Damag

LETTRES D'UN CARTON À L'ÂGE D'AIRAIN
04.11.21 - 18.12.21

JEAN-MICHEL FAUQUET

#1

Fuck Me, 2021

Huile sur bois et miroir

74,5 x 54 x 56 cm

Prix : 8 000 Euros

#2 Sans Titre, 2021

Huile sur toile

35,5 x 27 cm

Vendu

#3 Sans titre, 2021

Huile sur toile

35,5 x 27 cm

Réservé

#4 Sans Titre, 2021

Huile sur toile

35,5 x 27 cm

Prix : 3 000 Euros

#5 Sans Titre, 2021

Huile sur toile

35,5 x 27 cm

Vendu

Vue d’exposition – Galerie Maïa Muller , Copyright Rebecca Fanuele

Les aventures de Bulul & Gaston Damag

L’histoire débute de la manière suivante :Un homme (Gaston Damag) découvre un jour qu’il fait l’objet d’études, de colloques, de dissertations savantes, que sa vie, la manière de vivre de sa famille et de ses ancêtres, intéresse les chercheurs qui en discutent, qui en analysent les moindres détails, qui présentent quelques documents à l’American Museum of Natural History de New York dans une exposition consacrée aux civilisations du Pacifique où il découvre une photographie de ses oncles.

Voilà qu’il est à la fois un homme et une pièce de musée.Et le dieu du riz (Bulul), que ses oncles, lui-même et toutes les personnes autour de lui, le dieu des récoltes qui intervient lorsqu’il est sollicité, qui change le cours des évènements, qui rend la terre riche et les femmes fertiles, qui éloigne la maladie et les soucis quotidiens, à qui on sacrifie vaches, cochons, poulets, Bulul est lui aussi un sujet de science. Dieu Bulul, tu es une pièce de musée, toi aussi, une statuette de bois dont on observe la beauté, les proportions, la facture. On loue les courageux navigateurs et les clairvoyants archéologues qui t’ont amené jusqu’aux portes du Museum ; on félicite les conservateurs avisés.Vous êtes tous deux exotiques ; Gaston et Bulul.

Mais l’homme (l’artiste) sait que le dieu domestique n’est pas enfermé dans un morceau de bois, que les siens ne sont pas réduits à quelques vieilles photographies, que l’on peut être ceci et cela tout à la fois : l’apparence curieuse pour les uns et la fraternité de la vie pour les autres. Alors, dans une joyeuse exubérance, vite, pressée par l’urgence, il mêle les figures dans des images rapides, jetées et nombreuses. Il faut tout mélanger, tout bouleverser, tout faire passer cul par-dessus tête, copuler, avoir des plaisirs de toutes les manières possibles, hors des normes et des emprisonnements. Seule solution, seule vérité : la vie, l’énergie, le déduit, et voir, comme dans un miroir, l’autre que l’on aime.

Laurent Busine

Laurent Busine est un historien de l’art belge né le 6 janvier 1951 à Chatelet (Belgique). Après avoir dirigé, depuis 1978, les expositions du Palais des Beaux-Arts de Charleroi, il prend la direction du MAC’s en janvier 2002. Pendant ces années passées au Palais des Beaux-Arts, il marquera, pendant vingt ans, la vie culturelle de la métropole wallonne, en organisant des expositions consacrées à Rodin, Picasso, Dali ou Schiele mais aussi, avec la présentation de la collection Prinzhorn de dessins de malades mentaux et avec les premières grandes expos de jeunes artistes. Laurent Busine a publié la monographie de Giuseppe Penone en 2013.

Vue d’exposition – Galerie Maïa Muller, Copyright Rebecca Fanuele

#6

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

35,5 x 27 cm

Prix : 3 000 Euros

#7

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

35,5 x 27 cm

Vendu

#8

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

35,5 x 27 cm

Prix : 3 000 Euros

#9

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

73 x 60 cm

Vendu

#10 Sans Titre, 2021

Huile sur toile

81 x 65 cm

Prix : 6 300 Euros

#11 Sans Titre, 2021

Huile sur toile

81 x 65 cm

Réservé

#12

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

54 x 60 cm

Prix : 4 900 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

#13

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

54 x 60 cm

Prix : 4 900 Euros

#14

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

65 x 60 cm

Prix : 5 400 Euros

#15

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

73 x 60 cm

Prix : 5 700 Euros

Vue d’exposition – Galerie Maïa Muller, Copyright Rebecca Fanuele

#16

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

65 x 54 cm

Prix : 5 200 Euros

#17

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

35,5 x 27 cm

Prix : 3 000 Euros

#18

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

35,5 x 27 cm

Prix : 3 000 Euros

#19

Le désir des Anges, 2021

Huile sur toile

54 x 60 cm

Prix : 4 900 Euros

#20

Sans Titre, 2021

Huile sur toile

54 x 60 cm

Prix : 4 900 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

https://www.maiamuller.com/wp-content/uploads/2021/05/Itw-Myriam-final-v2.mp4

Viewing Room – Gaston DamagVladMM2021-10-09T12:20:05+02:00

Viewing Room – Trophée

Dessins préparatoires pour l'installation TROPHÉE
Ex Africa Musée du Quai Branly

MYRIAM MIHINDOU

#1 Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix : 1800 Euros

#2 Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix : 1800 Euros

Vue d’exposition Trophée, EX AFRICA, Musée du Quai Branly – Commissariat Philippe Dagen

© musée du quai Branly-Jacques Chirac, photo Léo Delafontaine.

MIHINDOU, Myriam – Quelle exubérance de vie, 2019- Série des dessins préparatoires pour l’installation Trophée- Ex-Africa- Carbone sur papier -40x 30 cm.jpg

#3

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix : 1800 Euros

Myriam Mihindou

Trophée, 2020

Pourquoi ce titre, Trophée ? Pourquoi avoir « chiné des clôtures et des barrières surmontées d’une fleur de lys pour réaliser cette installation ? » Parce que, répond l’artiste « durant des siècles, les monuments, la monnaie, les tissus, les tapisseries, les sculptures, les statues, les objets d’art, la peinture étaient marqués du sceau du lys ». Durant la Révolution française, ce symbole a été « profané, démantelé, vandalisé, décapité, mutilé, incendié, détruit : l’ épuration idéologique sacrifiait tout ce qui évoquait la royauté ». Cette histoire ancienne trouve un écho aujourd’hui. » En 2018, la restitution de l’héritage culturel de l’Afrique fait débat. Le mot restitution sous-entend la conscience de sa propre identité. Toutes les sociétés passent par des récits de destruction, de restauration et de construction. Toutes ont leur pratique de pouvoir et de magie. Il convient de comprendre le sens des objets de mémoire, trop souvent sublimés jusqu’à l’idolâtrie ou effacés. Reprenons le rêve là où nous l’avons laissé ».

Vue d’exposition – Galerie Maïa Muller, Copyright Rebecca Fanuele

MIHINDOU, Myriam – Les charismes, 2019- Série des dessins préparatoires pour l’installation Trophée- Ex-Africa- Carbone sur papier -40x 30 cm

#4

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix : 1800 Euros

MIHINDOU, Myriam – Fantomes des espèces, 2019- Série des dessins préparatoires pour l’installation Trophée- Ex-Africa- Carbone sur papier -40x 30 cm.jpg

#5

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA –

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix : 1800 Euros

MIHINDOU, Myriam – Des abysses du globe, 2019- Série des dessins préparatoires pour l’installation Trophée- Ex-Africa- Carbone sur papier -40x 30 cm.jpg

#6

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix : 1800 Euros

#7 Dessin photographique

Tirage numérique, 1/1

27 x 18,6 cm

Prix : 1400 Euros

#8 Dessin photographique

Tirage numérique, 1/1

29 x 19,6 cm

Prix : 1400 Euros

#9

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix: 1800 Euros

MIHINDOU, Myriam – Ecume, 2019- Série des dessins préparatoires pour l’installation Trophée- Ex-Africa- Carbone sur papier -40x 30 cm.jpg

#10

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix: 1800 Euros

Vue de l’exposition : Ex Africa, Pr√©sences africaines dans l’art aujourd’hui. Du 9 f√©vrier au 27 juin 2021.

Détail Trophée

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

MIHINDOU, Myriam – Logos, 2019- Série des dessins préparatoires pour l’installation Trophée- Ex-Africa- Carbone sur papier -40x 30 cm.jpg

#11

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix: 1800 Euros

#12

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix: 1800 Euros

MIHINDOU, Myriam – Et trop de beauté accumulée, 2019- Série des dessins préparatoires pour l’installation Trophée- Ex-Africa- Carbone sur papier -40x 30 cm.jpg

#13

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix: 1800 Euros

#14

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix: 1800 Euros

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

#15

Dessin photographique

Tirage numérique, 1/1

26 x 19,6 cm

Prix : 1400 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

MIHINDOU, Myriam – Le modèle demantèlement, 2019- Série des dessins préparatoires pour l’installation Trophée- Ex-Africa- Carbone sur papier -40x 30 cm.jpg

#16

Dessin préparatoire pour Trophée, 2019, dans le cadre de l’exposition EX AFRICA

Carbone sur papier

40 x 30 cm

Prix : 1800 Euros

#17

Dessin photographique

Tirage numérique, 1/1

27,6 x 19,6

Prix : 1400 Euros

La boîte noire, 2021

Bronze, encre de Chine, bâtonnet de coton enduit

Long. 30 x Larg. 16 x Ht. 18 cm

Prix : 5 800 Euros

Viewing Room – TrophéeGwen2021-05-13T15:36:19+02:00

Viewing Room – Donnez-nous des ailes

Sacha Ketoff 1993. Papier, or, graphite. 197×190 – Courtesy de l’artiste et Galerie Maïa Muller

Donnez-nous des ailes

Jean-Michel Alberola Fritz Bornstück Damien Deroubaix
Jean-Michel Fauquet Sacha Ketoff Macon&Lesquoy
Myriam Mihindou Célia Muller John Stezaker

30.01.2021 - 13.03.2021

Le ciel est un fouillis inextricable d’êtres qui volent, se croisent et s’entrechoquent : les harpies, les basilics, les griffons, les sirènes, les dragons, les oiseaux petits et les grands, les insectes de toutes tailles et de toutes les couleurs, Pégase, Joseph de Cupertino, toutes les créatures qui peuplent le ciel et notre imaginaire, le lion de saint Marc, le taureau de saint Luc. Le diable a des ailes ; les archanges également.

Donnez-nous des ailes ! Le projet est louable, certes, mais on sait ce qu’il advint d’Icare quand Dédale, son père, qui l’avait muni d’ailes afin de rejoindre dans l’azur, les nuages et le soleil, devant les dieux jaloux, l’envoya à la mort.
Il semble admis qu’il n’est pas possible de voler avec une seule aile et, généralement, les êtres qui sillonnent l’espace possèdent deux ailes qui leur suffisent largement pour parcourir des distances étonnantes, pour atteindre des vitesses prodigieuses, pour planer ou bien pour rester sur place comme le Saint-Esprit, par exemple. On constate cependant, sans qu’on ne sache trop pourquoi, que les libellules ont quatre ailes ainsi que les chérubins qui accompagnent le char d’Elie tandis que les séraphins en possèdent six. J’ignore si quelque créature est dotée de quatre, cinq, six paires d’ailes ou plus ; on sait que l’abus nuit en tout !

On remarquera cependant qu’une seule aile suffit pour être protectrice ; elle agit alors comme le ferait un solide bouclier placé au-devant du corps, du cerveau, ou plus souvent, du cœur affaibli par quelque rêve : un rempart de plumes légères. Le vent et les pluies transportent les montagnes et modifient l’ordre des choses régies par les lois de l’univers. L’air et les nuages emportent les grains de sable pour construire ailleurs, en de lointains pays, d’autres montagnes fluides, instables d’abord, figées ensuite dans des masses rocheuses qui semblent immuables ; et voici que dans le ciel, les poussières au nombre incalculable volent en compagnie des poissons-volants, des âmes des morts et des oiseaux parés de l’or clair des étoiles.

#1 Damien Deroubaix For Victory, 2020 Tilleul et encre taille-douce 48 x 95 x 3 cm – Prix : 10 000 Euros – Courtesy Galerie In Situ, Paris

Donnez-leur des ailes, ainsi qu’aux images vagabondes, à la beauté des colombes, au linge suspendu à un fil, aux mots errants qui se dispersent et envahissent tout esprit qui veut bien se laisser envahir, toute personne qui, dans le doute fécond, les accueille plaisamment.

Laurent Busine

Vue d’exposition Donnez-nous des ailes – De gauche à droite Jean-Michel Fauquet Sacha Ketoff John Stezaker Damien Deroubaix – Copyright Rebecca Fanuele

JOHN STEZAKER – NARRATIVE FLIGHT I, 2013 COLLAGE 20,5 X24,5 CM COURTESY DE L’ARTISTE ET GALERIE THE APPROACH copie

#2 John Stezaker – Narrative Flight I, 2013 – Collage 20,5 x 24,5 cm – vendu – Courtesy The Approach, Londres

JOHN STEZAKER -NEST X, 2014 -COLLAGE – 20,5 X 25,8 CM – COURTESY DE L’ARTISTE ET GALERIE THE APPROACH copie

#3 John Stezaker

Nest X, 2014

Collage

20,5 x 25,8 cm

Prix : 13 000 Euros Courtesy The Approach, Londres

# 4

Jean-Michel Alberola

Valse, 2017-20

Huile sur toile

24 x 19 cm

Prix : 9 000 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

DONNEZ-NOUS DES AILES -OPENING 30.01.21 -MUR MULLER -copyright Rebecca Fanuele

Vue d’exposition – Célia Muller – Série Histoires Copyright Rebecca Fanuele

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

# 5

Célia Muller

Série Histoires, 2017-18 Encre de tatouage et pastels secs sur papier

vendu

# 6

Célia Muller

Série Histoires, 2017-18 Encre de tatouage et pastels secs sur papier

Prix : 800 Euros

# 7

Célia Muller

Série Histoires, 2017-18 Encre de tatouage et pastels secs sur papier

Prix : 800 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

# 8

Célia Muller

Série Histoires, 2017-18 Encre de tatouage et pastels secs sur papier

Prix : 800 Euros

# 9

Célia Muller

Série Histoires, 2017-18 Encre de tatouage et pastels secs sur papier

Vendu

# 10

Célia Muller

Série Histoires, 2017-18

Encre de tatouage et pastels secs sur papier

Vendu

Herr Euler – 36x27x5cm – glazed ceramic relief – 2020 copie

# 12

Fritz Bornstück Herr Euler, 2020 Relief sur céramique émaillée

36 x 27 x 5 cm – Vendu

Alter Stützpunkt- 100x70cm – Öl auf Leinwand – 2019-2021 copie

# 13

Fritz Bornstück Alter Stützpunkt, 2019-21

Huile sur toile de lin

100 x 70 cm Prix : 5 000 euros

# 14

Jean-Michel Fauquet Sans titre, 2010

Tirage argentique sur papier baryté réhaussé

Vendu

# 15

Sacha Ketoff Wing, 2007 De la série des Animaux momifiés

Emboîtage, or 33 x 31 cm

vendu

# 16

Oro, 1993

Or et graphite sur papier 197 x 190 cm

Prix : 11 000 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

Vue web stezaker Deroubaix Macon&Lesquoy Mihindou Ketoff Alberola Muller

Vue d’exposition Donnez-nous des ailes – Courtesy Rebecca Fanuele

# 17

Myriam Mihindou

Pyxide, 2015

Technique mixte sur papier

70 x 100 cm

Prix: 5 800 Euros

# 18

Myriam Mihindou

Imago Mundi, 2015

Technique mixte sur papier

70 x 100 cm

Prix: 5 800 Euros

# 19

Jean-Michel Alberola

L’érosion est aéroplane, 2020

Huile sur toile

22 x 16 cm

Prix : 9 000 Euros

# 20

Sacha Ketoff

Icare

De la série des O.U.M (Oiseau Urbain Malchanceux)

Aquarelle sur papier

50 x 65 cm

Prix : 3 200 Euros

# 21

Sacha Ketoff

U2, 1993

Aquarelle sur papier

35 x 50,5 cm

Prix : 2 800 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

# 22

Macon & Lesquoy

Arbre Nocturne 55 x 35 cm

Prix : 1 500 Euros

# 23

Macon & Lesquoy

Broches BB Ailes

Prix: 40 Euros

Viewing Room – Donnez-nous des ailesGwen2021-03-31T16:31:30+02:00

Viewing Room – Yesmine Ben Khelil

YESMINE BEN KHELIL

Tout devient rose, là-bas, au crépuscule

06.11.2020 - 09.01.2021

« Tout devient rose, là-bas, au crépuscule » prend naissance dans certains passages du récit de voyage de Maupassant La vie errante et plus particulièrement dans ces toutes dernières lignes :

Sur cette terre amollissante et tiède, si captivante que la légende des Lotophages y est née sur l’ile de Djerba, l’air y est plus savoureux que partout, le soleil plus chaud, le jour plus clair, mais le cœur ne sait pas aimer. Les femmes belles et ardentes, sont ignorantes de nos tendresses. Leur âme simple reste étrangère aux émotions sentimentales, et leurs baisers, dit-on, n’enfantent point le rêve.

L’auteur commence par exprimer sa lassitude de Paris, son dégoût pour la Tour Eiffel, qui vient tout juste d’être installée. Il décide de voyager jusqu’à Kairouan en passant par l’Italie, la Sicile, l’Algérie puis la Tunisie qu’il traverse du nord jusqu’au sud.

La vie errante raconte ce voyage, comme le passage d’un monde à un autre, un monde moderne et lugubre, antagoniste à un monde primitif et lumineux. Maupassant y recherche l’exotisme et son récit en est teinté. S’il décèle quelque chose de vrai, une émotion juste, lorsqu’il parle de la lumière du crépuscule, de toutes les nuances de roses dans le ciel ou de la nature du paysage, à l’opposé, ses observations sur les individus sont imprégnées des préjugés racistes, typiques de son époque. Finalement, ces paysages si merveilleusement décrits, laissent une impression de paradis vénéneux.

Un contraste se fait entre un paysage qui semble satisfaire ses attentes d’exotisme, et des femmes qui se révèlent très éloignées de l’idée qu’il s’en faisait. À partir de ce sentiment de déception, j’ai imaginé qu’un autre récit pouvait naître.

Si les baisers de ces femmes n’enfantaient pas le rêve, peut-être savaient ils enfanter autre chose ?

À travers les dessins, les morceaux d’images, les bribes d’objets et de phrases, une histoire prend forme. Celle de femmes liées au soleil, à la lumière, et au ciel du crépuscule par un pouvoir surnaturel. Infusées par les rayons du soleil couchant, elles voyagent dans le temps, traversent les époques et se métamorphosent jusqu’à devenir des sortes de divinités, à la fois protectrices, menaçantes et imprévisibles. D’apparence inoffensive, elles agiraient ainsi, secrètement sur le mouvement du monde.

Dans la continuité du projet New Flesh (Nouvelle Chair), j’ai abordé le récit de Maupassant en sondant les images relatives à la culture dont je suis issue, de mettre en évidence les transformations qui l’agitent, les fantômes qui hantent ses représentations.

Yesmine Ben Khelil

# 1

Femme du crépuscule 1, 2020

Collage et aquarelle sur papier 41 x 31 cm

Prix : 1400 Euros

# 2

Femme du crépuscule 2, 2020

Collage et aquarelle sur papier 41 x 31 cm

Prix : 1400 Euros

# 3

Femme du crépuscule 3, 2020

Collage et aquarelle sur papier 41 x 31 cm

Prix : 1400 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

Vue d’exposition

Voir ci-dessous # 9 & #10

# 4

La sensation du soir est profonde, 2020

Pastel à l’huile sur papier kraft 267 x 100 cm

Prix : 2800 Euros

#5

L’histoire du Maghreb, un essai de synthèse, 2020

Graphite sur papier 18 x 21,8 cm

Prix : 850 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

#6

Tout devient rose 3, 2020

Aquarelle sur papier

20,5 x 13,8 cm

Prix : 1000 Euros

# 7

Tout devient rose 2, 2020

Collage et aquarelle sur papier

16,4 x 16,4 cm

Vendu

# 8

Femme soleil couchant, 2020

Collage et aquarelle sur papier

15 x 10,5 cm

Vendu

# 9

J’ai quelque chose à te dire 1, 2020

Collage et aquarelle sur papier 33 x 31 cm

Prix : 1100 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

# 10

J’ai quelque chose à te dire 3, 2020

Collage et aquarelle intégrés dans un livre 18 x 11 x 1,5 cm

Prix : 1350 Euros

# 11

Sans titre, 2020

Mine de graphite, crayons de couleurs et collage sur papier

20,2 x 11,6 cm

Vendu

# 12

Sans titre, 2020

Mine de graphite, crayons de couleur et collage sur papier

18,6 x 13 cm

Prix : 1000 Euros

2.Un soleil féroce une plaque molle et bleuâtre

# 13

Un soleil féroce, une plaque molle et bleuâtre, 2020

Page découpée

27 x 17,5 cm

Prix : 1100 Euros

# 14

Un pays clair et chaud, un pays jaune, 2020

Page découpée

27 x 17,5 cm

Prix : 1100 Euros

# 15

Je pousserais des cris de délire noyé dans la roseur illimitée du monde, 2020

Page découpée 27 x 17,5 cm

Prix : 1100 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

# 16

Tout devient rose 5, 2020

Collage et aquarelle sur papier 41 x 31 cm

Prix : 1200 Euros

# 17

Tout devient rose 1, 2020

Collage et aquarelle sur papier 17,3 x 23,5 cm

Prix : 1200 Euros

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

« Tout devient rose, là-bas, au crépuscule »…

« Avec l’utilisation de papiers trempés dans du thé au citron ou des infusions d’hibiscus, différentes sortes de sels et de sables, comme ailleurs la sueur et les larmes, c’est principalement un univers liquide qu’elle évoque. Flux, coulures, courants et dispersions: une mécanique des fluides qui concerne aussi bien la géophysique que le corps humain. Les draps boursouflés renvoient à des limons de fonds de rivière, les coutures forment des veines ou des scarifications, les poches de sable s’apparentent à des reins. »

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

Actualités

Salammbô

A l’occasion du bicentenaire Flaubert.

Musée des Beaux-Arts de Rouen , (23.04.2021 – 19.09.2021 )

Mucem, Marseille (20.10.2021 – 21.02.2022)

# 18

Soleil couchant 1, 2020

Peinture à l’huile sur morceau de mur 15 x 11 x 2,5 cm

Prix : 1250 Euros